A agenda busca contemplar alguns temas, em certa medida, recorrentes ao debate contemporâneo da comunidade artística, mas que podem ser problematizados num formato dinâmico de interfaces de reflexão. De fato, esse nos parece o caminho mais eficiente no esforço de construir um campo verdadeiramente potente de atualização do debate sobre as artes da cena e performativas: posicionar tais temas não como eixos de discussão autônomos, mas como núcleos móveis de provocações que se atravessam, se ultrapassam e desdobram a experiência do encontro físico em si.

Nesse sentido, a qualidade de acesso ao encontro torna-se ponto fundamental. Nas primeiras edições, acreditávamos que o recorte de público seria especializado, mais restrito aos profissionais das artes do corpo ou das artes em geral. Hoje, sabemos que o simpósio é a oportunidade de organizar um plano muito mais potente de produção de saberes para além das estratificações pensadas nos planejamentos originais, posto que  os debates movimentam campos de interesse diversos em torno das questões de criação.  Portanto, estendemos nosso encontro não apenas aos docentes e discentes da UNICAMP, instituição sede, e aos pesquisadores em geral; mas, a toda comunidade de criadores e  artistas indistintamente.

Abriremos, ainda, a possibilidade de apresentação de trabalhos (comunicações orais) de pesquisa de mestrandos, doutorandos e pesquisadores brasileiros e estrangeiros, a partir dos temas diretamente vinculados aos dias de debate. 

Durante os últimos anos, o LUME bebeu de várias fontes de trabalhos práticos orientais, cujos elementos foram redimensionados e reestruturados para o trabalho que desenvolvemos, passando a compor o treinamento técnico dos atores. O foco do trabalho será na transmissão desses elementos técnicos híbridos experimentados que acabam por romper a fronteira entre a dança e o teatro. Mergulharemos no corpo como agente central, multifacetado, seja ele corpo concreto, cuja musculatura necessita alongamento, força, segmentação, enraizamento entre outros ou seja ele corpo imagético, capaz de materializar diferentes qualidades de vibração, na busca de uma expressividade pessoal.

Corpo como potência artística e de criação. Não um corpo inserido em um contexto fixo delimitado e nomeado, quer seja teatro, dança ou performance, mas um corpo como fronteira expressiva que expande e perfura essas bordas criando um espaço único, mas, ao mesmo tempo interseccionando todas essas relações teatro/dança/performance. Esse workshop trabalhará, na prática, o corpo dentro dessa fronteira de criação, seja na relação com o espaço, com o outro, com a música, com os objetos, buscando, sempre, a capacidade expressiva corpórea de cada participante.

A Mímesis Corpórea é uma metodologia de criação de ações físicas e vocais - desenvolvida pelo LUME (Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da UNICAMP) - que busca a poetização e teatralização dos encontros afetivos entre um atuador-observador e corpos/matérias/imagens. O pressuposto da Mímesis Corpórea é que esse encontro potencialize a transformação e recriação do corpo singular daquele que atua-observa. A proposta da disciplina é fazer com que a observação transborde para o território da palavra. A palavra em ação pode conter todas as conexões de imagens que detona, jogando com espaço e tempo. A palavra sugere sons, tensões e ações que tomam outras formas, criando dimensões poéticas em movimento e novas afetações.

A arte de ator se concentra em dois elementos essenciais: presença e ação. A presença diz respeito a algo íntimo, uma pulsação que transpassa e percorre toda a ação cênica. A ação, como o trilho do trem, é a estrutura por onde a energia do ator se manifesta. Através da materialidade da ação é possível que a energia íntima do ator, sua presença, chegue ao espectador. Este curso terá como ponto de partida alguns dos elementos do treinamento energético e técnico desenvolvidos no LUME ao longo dos anos como a transformação do peso em energia, a dinâmica das ações físicas no tempo e no espaço, a relação com o chão e o ar, o trabalho das articulações e a segmentação corporal, a relação entre atores, bem como a utilização de estímulos externos como imagens, música, texto, objetos. Através do contato com cada um destes estímulos, os participantes poderão mergulhar em diferentes qualidades corporais para construir um repertório pessoal de material corporal-vocal.

O curso abordará suas pesquisas desenvolvidas no Lume por 30 anos: a presença do ator, emanação de energia, a construção do corpo interior, e a estrutura física da voz. A presença diz respeito a algo íntimo, uma pulsação que transpassa e percorre toda a ação cênica. Neste curso trabalharemos a dilatação do corpo, a expansão da energia no espaço, o campo magnético, a transformação do peso do corpo em energia, a ação energética e a construção da presença cênica como princípios da dança pessoal, elementos técnicos desenvolvidos no LUME durante décadas de pesquisa teatral.

Para o LUME Teatro o palhaço não é um personagem, mas a dilatação da ingenuidade e do ridículo de cada um de nós, revelando a comicidade contida em cada indivíduo. Portanto, todo palhaço é pessoal e único. Desta forma, através de uma metodologia desenvolvida pelo próprio LUME Teatro, este workshop possibilita que os aspirantes a palhaço entrem em contato com aspectos “ridículos e estúpidos” de sua pessoa, normalmente não expostos durante a vida cotidiana. É um processo de iniciação que permite uma primeira vivência da utilização cômica do corpo, que é particular e diferente para cada um; a descoberta do ritmo (tempo) pessoal e um contato inicial com a lógica de cada palhaço, ou seja, sua maneira de ação e reação frente ao mundo que o cerca. No programa do curso constam ainda noções de treinamento técnico para o ator.

Dirigido a atores, bailarinos e interessados em geral, o curso oferece uma visão geral do treinamento cotidiano sistematizado por atores do LUME: reconhecimento e dilatação das capacidades expressivas do corpo. Através de metodologias concretas, o curso aborda temas básicos do trabalho de ator: ética (autodisciplina e autonomia); preparação e prontidão (aquecimento do corpo-mente e presença); aspectos energéticos e técnicos do ofício (transformação do peso em energia, dinâmica das ações no espaço e no tempo, articulações e segmentação corporal, modulação da energia, jogo entre atores).

O curso aborda a gestão de projetos, grupos, artistas e a busca por parcerias, elaboração de material gráfico e estratégias de divulgação, vídeo, fotos, textos – bem como o refinamento técnico profissional na área de palco, luz e som, em cada trabalho, em cada projeto. Pensando em promover o diálogo e aprofundar os conhecimentos nas áreas técnicas e de produção, a equipe de profissionais do LUME Teatro criou o “Curso Integrado - Bastidores da Cena”, uma vivência teórica e prática entre áreas integradas no dia-a-dia de grupos e projetos, abordando temas essenciais para que os artistas possam produzir e colocar no mercado seus produtos artísticos. Oferecido de maneira integrada, durante 10 dias consecutivos serão abordados 5 temas/técnicas que compõem os bastidores das artes da cena, como; técnicas de palco, design gráfico, assessoria de comunicação, a produção de fotografia e vídeo, e produção e gestão de grupos/artistas, assim como a gestão administrativa de projetos culturais. Cada um dos temas será ministrado por profissionais da equipe do LUME Teatro.

O curso explora a comunicação entre ações visíveis e invisíveis no palco, destacando o dualismo e o equilíbrio dessas dimensões no processo criativo, convidando os participantes a experimentarem o movimento corporal no espaço externo e, simultaneamente, a explorarem o que está implícito e íntimo, construindo uma paisagem emocional. Perguntas como o papel do performer na cena atual, sua liberdade criativa e o desenvolvimento do trabalho são abordadas. Em cinco dias, os participantes desenvolvem uma consciência integrada de suas ferramentas - corpo, voz e imaginação - para aprimorar a prontidão criativa, desde o início do processo até o diálogo com o público. O curso investiga quatro áreas cênicas fundamentais: Coletivo, Espaço, Som e Vídeo, utilizando exercícios como contato improvisação, propriocepção, minimalismo e sistemas de improvisação, e partituras de ações ligadas a vídeos.